15 апреля 1874 года на авеню Капсен в Париже состоялась выставка живописи под названием “Выставка Ассоциации неизвестных художников, пишущих маслом, скульпторов и граверов”, в которой приняли участие молодые французские художники, такие как Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Эдгар Дега и другие участвовал. На этой выставке была представлена пейзажная картина Моне под названием "Впечатление от восхода солнца".
Посетителей на выставке было немного, и большинство отзывов были плохими. Искусствовед по имени Лерой опубликовал статью под названием "Выставка впечатлений", от которой “импрессионизм” и получил свое название. Никто не ожидал, что с тех пор импрессионизм поднялся на французскую живописную сцену, распространившись по всей Европе и оказав влияние на весь мир.
Западная живопись всегда делала упор на реализм, и художники стремятся быть бесконечно похожими на реальные сцены и реальных людей. С этой целью, начиная со средних веков, в технику живописи постоянно внедрялись различные научные методы, такие как использование перспективы, светлых и темных оттенков, а также пропорциональных техник.
В 1435 году в книге итальянского архитектора и теоретика искусства Альберти "О живописи" были систематизированы и представлены различные перспективные техники и вспомогательные инструменты, такие как шкатулки и ширмы Альберти. Альберти рассуждал в статье "О живописи": "Прежде всего, я нарисовал прямоугольный четырехугольник нужного мне размера. Его роль для меня должна заключаться в открытом окне, через которое я могу визуализировать сцену на картине.”Марлевый экран - это своего рода тонкая сетка, натянутая на раму, с нанесенными на нее линиями, похожими на сетку. В коробке и песочном экране используется рамка для определения области воспроизведения изображения и вспомогательных масштабных линий.
Европейские художники использовали инструменты для создания дополнительных пропорциональных линий и стремились к точной перспективе
Эти инструменты развивались до конца и превратились в камеру-обскуру, использующую принцип создания изображений с маленькими отверстиями, которая стала мощным инструментом для реалистичной живописи. В результате рисовать стало относительно просто. Даже обычные люди с небольшим талантом и подготовкой могут использовать эту технику для создания реалистичного изображения. С тех пор практически не было существенной разницы между посредственными и гениальными художниками.
Визуализация небольших отверстий стала мощным инструментом для рисования
Просто успех - это тоже Сяо Хэ, поражение - это тоже Сяо Хэ, и камера-обскура затем модернизируется и заменяется. В 19 веке появилась фотография. В 1822 году французский изобретатель Ньепс использовал стеклянную пластину, покрытую асфальтом, в качестве светочувствительного материала, затем наносил отпечатки и подвергал воздействию солнечного света для получения изображений. Впоследствии француз Дагер изобрел практический метод фотосъемки дагерротипом. 19 августа 1839 года на совместном заседании Французской академии наук и Академии искусств Арагорн, директор Национальной обсерватории в Париже выступил с докладом о фотографии и объявил о рождении фотографии.
Уникальность технологии фотографии заключается в том, что она позволяет полностью избавиться от рисования, создавать изображение непосредственно сама по себе и использовать оптические средства для получения реальных изображений. Техника превратилась из вспомогательного инструмента для рисования в смертельного врага живописи. Это оказало огромное влияние на западную живопись, которая всегда стремилась к реализму. С развитием технологий фотографии стали более четкими и достоверными. Могут ли картины по-прежнему выглядеть как фотографии, сделанные непосредственно? Что вы хотите делать с фотографией и живописью? Художники, которые с древних времен были одержимы идеей “рисовать как можно больше”, долгое время пребывали в замешательстве: есть ли будущее у живописи? Некоторые люди даже пессимистично предсказывали: "Живопись умрет”!
В то же время западное общество претерпело еще одно серьезное изменение. С начала промышленной революции деятельность человека сильно изменила облик природы, изменила собственное мышление и поступки людей, а также повлияла на сферу искусства. Поиск новых способов изображения природы и человеческого общества стал общим требованием новых технологий и новой эры.
В это время перед европейскими художниками предстал японский стиль Укие-э. После того как в 1853 году Соединенные Штаты использовали военные корабли, чтобы вынудить Японию открыть свои границы, японские ремесла вскоре появились в Европе, и коллекция японского искусства Эрла Олкока также была представлена в японском выставочном зале Всемирной выставки в Лондоне в 1862 году. Странные и новаторские выразительные приемы потрясли и освежили европейских художников. Оказалось, что живопись все еще можно писать подобным образом!
Впоследствии японское укие-э в большом количестве появилось в Европе. Моне, Дега, Ван Гог и другие мастера собрали большое количество Укие-э и начали использовать непараллельные виды с фиксированной точкой, плоскую живопись, яркие цвета, декоративную композицию и другие техники, отличные от традиционной западной живописи. Собственные творения.
С тех пор импрессионизм был отмечен сильным японским стилем. В статье “Художники импрессионизма” Дюрер, сторонник импрессионизма, ясно указал на влияние японского искусства, сделав особый акцент на вдохновении от “смелых новых красок”, полных солнечного света, в "японских книгах с картинками".
В 1898 году, после того как художник-импрессионист Писсарро посмотрел “Выставку Утамаро и Хиросигэ”, организованную Семуром Бином, он написал в письме своему сыну Люциану: “Эта выставка, несомненно, доказывает, что мы правы, и она также отличается удивительным импрессионистским стилем серого заката.” Выставка в Японии очень трогательная. Хиросигэ был великим импрессионистом. Эффект от снега и наводнения, которые я изобразил, удовлетворительный. Японские художники вселяют в нас уверенность в наших визуальных тенденциях.”
Мастер импрессионизма Ван Гог даже утверждал: "Все мои работы, без исключения, раскрывают тень японского искусства. Учения этих японских художников для нас - почти реалистическая религия. Критик Кастаньяри назвал художника-импрессиониста “японцем в живописи".
Как мы все знаем, японское искусство глубоко вдохновлено китайским искусством и находится под его влиянием. Происхождение Укие-э связано с гравюрой и книгопечатанием. Оно было представлено в Японии в виде буддийских священных писаний во времена династий Тан и Сун. Таким образом, буддизм был основным предметом японской гравюры до периода Эдо. Японские граверы подражали стилю женской живописи династии Тан, мастерству рисования линий династии Сун, а также гравюре и цветной печати династии Мин, начиная с моделирования персонажей и заканчивая концепцией и макетом.
В конце правления династий Мин и начале правления династии Цин уроженец Чжэцзяна И Ран был третьим мастером храма Синфу в Нагасаки, Япония. Он был хорош в рисовании пейзажей и персонажей, привлекая монахов из других регионов, которые приезжали в Нагасаки учиться. Он также пригласил в Японию знаменитого монаха Иньюаня Лунци, которому было за 60. Иньюань и его ученики принесли с собой “культуру обаку”, которая оказала глубокое влияние на японскую архитектуру, скульптуру, поэзию, каллиграфию, живопись, медицину и т.д.
На девятом году правления Юнчжэна династии Цин (1731) художник Шэнь Цюань (Наньпин № 1) по приглашению сегуната отправился преподавать в Нагасаки и открыл там крупную академию живописи, чтобы обучать японских художников новым техникам рисования цветов и птиц. Шэнь Цюань хорошо рисует птиц и зверей и известен своим точным и красивым мастерством исполнения. Его стиль живописи распространился в Осаке, Киото и Эдо, породив различные школы, в совокупности называемые “Наньпинской школой”, которая оказала огромное влияние на культуру живописи и эстетический вкус периода Эдо. “Киотская школа живописи”, представленная Маруямой Инджу, начала обращать на себя внимание делать наброски и сочетать декоративный характер традиционной японской живописи. Шэнь Цюань также был удостоен звания ”первого художника из-за рубежа".
Работы Шэнь Цюаня, изображающие цветы и птиц
"Канагавский серфинг" Кацусики Хокусая считается классикой японского укие-Э.Моне повесил его на кухне и был признан научными кругами как источник вдохновения для классической картины Ван Гога "Звездная ночь" и даже стал источником вдохновения для произведения композитора Дебюсси "Море, три симфонических наброска для оркестровой музыки", а также использовался в качестве обложки первого издания партитуры.
"Серфинг в Канагаве"
Эта картина, очевидно, основана на изображении волн в традиционной китайской живописи. От тома “Водной карты” Ма Юаня времен Южной династии Сун до “Карты Хуанлю Цзюцзинь” Чэнь Хуншоу времен династии Мин, до "Метода речных и морских волн", описанного в главе "Спектр гор и камней" в "Биографии живописи в саду горчичных зерен" в журнале "Искусство живописи в саду горчичных зерен". Династия Цин, происхождение "волн" Кацусики Хокусая можно найти здесь.
"Водная карта" Ма Юаня времен Южной династии Сун
"Карта Хуанлю Цзюцзинь"
“Волновой метод Цзянхай” в "Биографии садовой живописи с горчичным зерном"
Вполне возможно, что если бы традиционная китайская живопись в то время широко распространилась в Европе, то эпоха просвещения была бы посвящена китайскому стилю, а не Укие-Э.Просто в то время Япония уже была открыта для Запада, а Китай - еще нет, поэтому обычным европейцам было легче соприкоснуться с японским искусством, чем с китайским. В конце концов, западная живопись оценила уникальность восточной эстетики через посредство Укие-Э.
Но на самом деле еще раньше, после открытия европейского пути на Восток в 16 веке, китайский шелк, чай, фарфор, лакированные изделия и другие товары начали массово поступать в Европу. В 17 веке изучение “китаеведения” в Европе достигло расцвета, охватывая политическую, экономическую, социальную, таможенную и другие области. В марте 1698 года французское торговое судно “Амфитрита” прибыло в Гуанчжоу и через два года вернулось во Францию. Оно привезло фарфор, шелк и другие товары, которые хорошо продавались во Франции. Некоторое время это было в центре внимания и стало самым популярным товаром.
В 17-м и 18-м веках китайский стиль пользовался большим уважением во Франции и даже в Европе. Людовик XIV устроил грандиозный бал в китайском стиле в Версальском дворце. Он сыграл роль китайского императора, оделся в китайские костюмы и медленно вышел из восьмиколесного паланкина. На улицах Парижа модно носить одежду из китайского шелка и сидеть в китайском паланкине. Вольтер восхищался Конфуцием и пропагандировал конфуцианскую культуру; энциклопедическая школа Дидро часто использовала китайскую культуру для критики Запада, а знаменитое высказывание Гольбаха: ”Европейские правительства должны брать Китай за образец".
Буше, главный художник французской королевской семьи, никогда не был в Китае. Он написал всего девять гобеленов в китайском стиле для королевской фабрики гобеленов imagination, шесть из которых были подарены императору Цяньлуну Людовиком XV за океаном.
Работа французского художника Буше "Китайский сад"
Однако он использовал воображение французских художников для описания китайской жизни, и традиционные техники китайской живописи не стали толчком к более поздним инновациям Укие-Э.
Причина в другом, но, в конечном счете, в то время еще не были изобретены фотографические технологии, а европейская живопись не столкнулась с фатальными последствиями. Она шла по пути “подобного и еще большего сходства”, и необходимости в переменах не было. Хотя, с 16 века, начиная с венецианской школы живописи и заканчивая Барбизонской школой живописи, они начали изучать использование техник света и тени, но, вообще говоря, они все еще придерживаются стереотипов старых методов живописи.
Для них китайская живопись - всего лишь экзотическая новинка и даже символ отсталости. Хотя художники-миссионеры в Китае изучали и применяли некоторые китайские техники, чтобы угодить императору, на самом деле они не ценили китайскую живопись. Они считали, что китайцы “не умеют использовать знания о перспективе в живописи”, китайская живопись “безжизненна” и так далее.
Позже, когда фотография поставила его в трудное положение и он изо всех сил пытался найти выход из положения, в нужное время появился японец Укие-э.
Западная классическая школа живописи переосмысливает реализм, и китайской живописи также присущ реализм, который достиг своего пика во времена династии Сун. Во времена династии Сун цветы и птицы Гунби подробно рисовали сердцевину лепестков и перья цветов и птиц, особенно Сун Хуэйцзун, которого представлял Сун Хуэйцзун, даже заметил, что “Когда павлин поднимается, он сначала поднимает левую лапу.”
"Картина Жуйхэ" Сон Хуэйцзуна
Однако в то же время в китайской живописи развился и другой, более важный жанр - литературная живопись. Су Ши предположил, что живопись не должна ограничиваться внешним видом, а должна уделять больше внимания выражению субъективного интереса. Литераторы династии Сун уделяли внимание саморазвитию, не стремились к достоверности и точности изображения и были больше сосредоточены на выражении личных чувств. Ни Зан, одна из четырех семей Юань, предположила, что живопись - это “разговоры, чтобы писать о дыхании в груди”, так называемый художник, но перо у него торопливое, и он не ищет сходства, поэтому он говорит, чтобы развлечь свои уши. После многих мастеров Шэнь Чжоу и Вэнь Чжэнмина из династии Мин, восьми великих горцев династии Цин, Ши Тао, Чжэн Баньцяо и др., китайская художественная литература рассматривает Shen Yun как высшее художественное достижение, выставляет напоказ “моральный дух” и “Ипин” и придает большое значение за создание художественной концепции поэзии, каллиграфии и живописи, элегантной и сверхэлегантной, как у Шу Сю Минцзе, или брызжущей пером и чернилами, радостной, вертикальной и горизонтальной, ярко выражающей печаль и радость литераторов.
В 1918 году Сюй Бэйхун опубликовал статью "Методы совершенствования китайской живописи", в которой утверждал, что “упадок китайской живописи и обучения сохраняется и по сей день”, критикуя традиционный стиль рисования иероглифов. “Автору не разрешается использовать истинный метод, и он ссылается на еще один раздел. Руки и ноги расположены под прямым углом, корпус нельзя поворачивать, голову нельзя поднимать в сторону, а руки нельзя протягивать к экрану. Независимо от того, насколько молод мальчик, он будет казаться старым, когда улыбнется, независимо от того, насколько он молод, он будет казаться уродливым, когда поднимет брови, а уголки его глаз будут видны на половине его лица. "Сильные стопы тибетской красоты". Сюй Бэйхун твердо верил, что "для лечения достаточно только реализма", и выдвинул свое художественное предложение о том, что ”посевы должны быть написаны с учетом реальности".
Просто история продолжается уже сотни лет, и результаты часто бывают нелепыми. В конце 19 века мастер-импрессионист Шура был известен своим искусством пуантилизма и своим шедевром "Воскресный день на острове Даван".
"Воскресный день на острове Даван"
Однако во времена династии Северная Сун в Китае “Пейзаж Ми”, на котором изображены Ми Фу, Ми Юрен и их сыновья, уже был написан чернилами и красками для раскрашивания, и они сказали, что “Надпись в основном сделана с помощью облаков дыма, покрывающих деревья и камни, и смысл, кажется, в этом есть.” Однако позже Лу Синь раскритиковал его за то, что он назвал пейзаж “Райс-Пойнт” бесполезным. На самом деле, Лу Синю стоило посмотреть на Шуру.
Напротив, некоторые западные мастера больше восхваляют китайское искусство. Когда Чжан Дацянь посетил Пикассо, Пикассо сказал Чжан Дацяну: “В Европе и Соединенных Штатах я не могу видеть искусство. В Китае есть настоящее искусство. Последнее, чего я не понимаю, - это зачем вы, китайцы, приехали в Париж изучать искусство? Пикассо восхищался чистым изображением китайской живописи и говорил: "Китайская живопись загадочна, но тайна не в черной части, тайна в чистом месте чернил".”
По сей день на Западе сложилось множество течений, таких как фовизм, футуализм, дадаизм, сюрреализм и абстракционизм. В своих работах Сюй Бэйхун использует высказывание “Писателю не позволено использовать истинный метод”, чтобы обвинить его, и кажется, что в этом нет ничего плохого.
Независимо от того, как развивается общество, как будет развиваться живопись в век информации? Появилась молекулярная живопись и живопись с использованием искусственного интеллекта, а также бесконечным потоком появляются различные новые методы. Появится ли еще одна квантовая школа живописи или даже школа живописи Шредингера, отличающаяся определенностью и неопределенностью, стоит подождать, чтобы увидеть.
Интересно. Спасибо
Спасибо большое! 😊